Varje Disney-animerade film någonsin gjord rankad från värsta till bästa

Vilken Film Ska Jag Se?
 
Det har funnits 58 funktionslängds animerade funktioner från Disney sedan 1937, så hur staplar de mot varandra?

Det är svårt att rangordna Disney-animerade filmer, och inte bara för att det finns så många av dem. Det här är filmer som betyder så mycket för så många människor, som i sig är kopplade till kraftfulla minnen från barndomen och har informerat vad vi så många vuxna anser magisk . Att rangordna deras respektive styrkor och svagheter blir lika mycket en undersökning av Varför du älskade något som det är till deras relativa värde som en kreativ strävan. (Att skilja sig från dessa känslor är väldigt utmanande.) Ändå försökte jag göra just det och ville dela berättelser från filmtillverkningen också, så du vet precis vad som gick in i filmens framgång (eller brist på sådan). Så ja, det här är en historielektion så mycket som det är en kritisk bedömning. (Mina primära källor var Disney-kriget förbi James B. Stewart , Creativity Inc. förbi Ed Catmull och Amy Wallace och Walt Disney förbi Neal Gabler , plus de fantastiska dokumentärfilmerna Vaknande sovande skönhet och Walt och Gruppen . Jag rekommenderar dem varmt.)

Men snälla, låt oss veta i kommentarerna vad du tycker om den här listan, vilka Disney-filmer du fortsätter att besöka och vilka av dessa 58 du inte ens hört talas om förrän den här listan.

Och om du känner dig inspirerad att kolla in några av dessa på Disney +, här är det en lista över allt som för närvarande är tillgängligt att strömma på den streamingtjänsten.

58) Chicken Little (2005)

Bild via Disney

I mitten av 2000-talet var det en intressant tid för Walt Disney Animation Studios; de hade helt och hållet övergett den traditionella handritade animationen, där satellitstudiorna i Paris och Orlando tyst stängde sina dörrar också (2002 respektive 2004). Det var till och med ett försök att producera uppföljare till Pixar-filmer utan deras inblandning, tack vare ett kryphål i deras ursprungliga arrangemang som Michael Eisner ville utnyttja (det fanns till och med en ytterligare animationsstudio - Circle 7 - inrättad i Glendale för att hantera uppföljare). Och under den här kaotiska tiden försökte WDAS uppfinna sig själv som morgondagens fräscha, kantiga, datorgenererade studio. Det var lika rörigt och mållöst som animationsstudion hade varit sedan Walt dog och var markerad med samma typ av kreativ och ekonomisk osäkerhet. Och in i detta Chicken Little föddes . Det här är en film som skapats ingen inverkan . Du ser inte plyschar av karaktärerna i Disney Stores och du ser dem inte gå runt Disneyland eller Walt Disney World och skakar människors händer. Det har nästan förångats från allmänhetens medvetande och med goda skäl: det är verkligen ganska dåligt. Ursprungligen tänkt som en mer okonventionell berättelse om en kvinnlig Chicken Little och hennes förhållande till sin far, förvandlades den genom åren till en slags sci-fi-komedi, med 'himlen faller' med hänvisning till en utomjording. ( Okej .) Mark Dindal , som tidigare hade regisserat den djupt lysande Kejsarens nya stil , känner sig förlorad med den extra dimensionaliteten och animatörerna, som lär sig en helt ny metodik, är inte exakt på deras spel. Detta är förmodligen den fulaste Disney-filmen någonsin.

57) Räven och hunden (1981)

Bild via Disney

Kära herre den här filmen är tråkig . Det är något historiskt viktigt eftersom det var den sista filmen som arbetades på av några av Walts legendariska Nine Old Men, som sedan överlämnade animationsuppgifterna till en ny generation begåvade artister, varav många skulle vara ansvariga för att utforma de kommande generationerna. av animerade Disney-funktioner (bland dem: John Lasseter , Tim Burton , Ron Clements , John Musker , Mark Dindal och Brad Bird ). Noterade också det faktum att det under produktionen Don Bluth , en av företagets stjärnanimatörer och någon som många såg som arvtagaren till Walt Disney, arrangerade en stor avskedighet med flera andra animatörer och lämnade studion, något som effektivt vägrade produktionen (med 17% av personalen gick släppdatum drevs från jul 1980 till sommaren 1981). Uppenbarligen satte den kreativa spänningen mellan det gamla vakten och den nya skörden av animatörer sitt spår. Du kan känna en bättre film som försöker komma ut under den söta, klöda fasaden Räven och hunden men tyvärr händer det aldrig. (Och tänk bara om de hade gått igenom en sekvens som involverar häftklammer Charo som en kran som sjunger en låt som heter 'Scoobie-Doobie Doobie Doo, Let Your Body Turn Goo.' Egentligen kanske det hade varit otroligt.) Visst, det är söt, men kan du verkligen komma ihåg något förutom björnattack-sekvensen och Pearl Bailey som sjunger 'Best of Friends?' Trodde inte det.

bästa nya filmerna att strömma just nu

56) Home on the Range (2004)

Bild via Disney

Ett tag såg det ut Home on the Range skulle vara den sista traditionellt animerade filmen som Disney någonsin skulle släppa. Och om det hade varit sant, skulle det ha varit ett riktigt glansfullt bortgång. Home on the Range , ursprungligen tänkt som en ambitiös övernaturlig västerländsk kallad Svettande kulor (den togs i produktion strax efter Hercules ), snart muterad till en tuff musikalisk komedi med tre kvinnliga kor ( Rosanne Barr , Judi Dench och Jennifer Tilly ) som försöker stoppa en nötkreatur (spelade, under sina avtagande dagar av sanity, av Randy Quaid ). Det är inget skämt, ett enormt slöseri med tid - humorlös, slapp och med fantasilösa karaktärsdesigner och bakgrunder. Den enda höjdpunkten (och en relativt svag därtill) är skurkens stora musikaliska nummer, 'Yodel-Adle-Eedle-Idle-Oo', som åtminstone ser dem kanalisera någon tidig Disney-konstighet. Tack och lov skulle det finnas mer traditionellt animerade filmer som släpptes av Disney, så till och med dess plats i den historiska Disney-kanonen har utspädd.

55) Dinosaurie (2000)

Bild via Disney

Om det visar sig Jon favreau 's Lejonkungen remake använder live actionplattor som animatörerna sedan överlagrar hyperrealistiska karaktärer på (och jag kan inte få bekräftelse på att detta helt har uteslutits), bara vet att det finns ett prejudikat för den här typen av saker. Och att det är förfärlig . Det var tanken bakom Dinosaurie , ett djärvt, ambitiöst och helt tråkigt experiment som var en produktion som hanterades av både Walt Disney Animation Studios och The Secret Lab, ett hybrideffekt- och animationshus som Disney hade satt upp i en toppmodern anläggning nära Burbank flygplats. Det som började 1988 som ett stop-motion-projekt, som ska regisseras av Paul Verhoeven med animering övervakad av den legendariska Phil Tippett , blev snart en ganska cookie cutter berättelse om familj och överlevnad gjord i grundligt övertygande och omedelbart daterad datoranimering. De första tio minuterna av filmen, en ordlös odyssey som följde ett ägg när det var på väg att kläckas, är magnifik men resten ... inte så mycket. Allt om det är både absurt (så många lemurer ) och banal; det är en film som har högsta möjliga insatser (världens ände) men som inte kan samla mycket energi eller känslomässiga investeringar. Filmen släpptes några veckor efter BBC-specialen Promenader med dinosaurier (som bokstavligen använde samma live action-plattor och animerade karaktärer) kändes som gårdagens nyheter innan de ens kom ut. Utrotning kunde inte komma tillräckligt snart.

54) Bolt (2008)

Bild via Disney

Walt Disney Animation som mest inoffensiv, Bult har ett begåvat team bakom kameran, inklusive framtiden Stor hjälte 6 direktör Chris Williams , den Tilltrasslad kreativa team av Byron Howard och Nathan Greno , och ett manus medskrivet av Det här är vi skapare Och Fogelman , men saknar något som är fjärrintressant, tekniskt eller berättande. Det faktum att det överhuvudtaget är sammanhängande är något av ett mirakel, med tanke på att dess produktion stämde nära med den omstridda 'Save Disney' -kampanjen som skulle sluta med att Michael Eisner avskedades och Bob Iger betala en rejäl summa för Pixar och dess kreativa principer för att driva hela Disneys animerade produktion. Ursprungligen kallades filmen Amerikansk hund och skrivs och regisseras av Chris Sanders , det taggiga geniet bakom Lilo & Stitch och en långvarig Disney story artist (hans storyboards för Lejonkungen kommer att få din käke att släppa - och det var bara storyboards). Den filmen, om den såg dagens ljus, skulle ha kallats som ett otroligt mästerverk, markera mina ord. Men ny chef John Lasseter , nu hitta sig själv ansvarig för Disney animation samt Pixar, ogillade Lilo & Stitch och tänkte Amerikansk hund Berättelsen var för problematisk (han kunde inte komma över tanken att människor kunde förstå djur när de pratade med dem). Sanders var lättad, det nya (extremt begåvade) teamet installerades och berättelsen blev mycket enklare och mindre noga. Bult är förstås arbetskraftigt, och för studiens allmänna hälsa är det förmodligen en bra sak att det gick en mer konventionell väg. Men Amerikansk hund (tillsammans med några andra) förblir fördömligt påtagligt vad-om det gör Bult ser ut som mindre av en film än den redan är, på gott och ont.

53) Oliver & Company (1988)

Bild via Disney

Om du någonsin har undrat var de smärtsamt 'hip' DreamWorks animationsfilmerna började, ja, här är ett bra ställe att börja. Ursprungligen pitched av animatör Pete Young i en av Jeffrey Katzenberg 's ökända' Gong Show 'pitch-möten där animatörer skulle kasta ut idéer och dåliga idéer skulle 'gongas' ut ur rummet (tonhöjden var helt enkelt ' Oliver Twist med hundar), utlöste det Katzenbergs önskan att göra en stor budgetfilm av Broadway-standarden Oliver ! medan på Paramount Pictures. Nu kunde han göra det! Med hundar! Medan en blygsam hit på biljettkontoret är filmen en kreativ besvikelse (och många på Disney delade denna åsikt vid den tiden). Fångväskan med popmusiker och musikaliska personligheter klämde fast i filmen (bland dem: Billy Joel , Huey Lewis och Bette betyder , som var något av en Disney-ståndare vid den tiden) i ett desperat bud på samtida relevans för en mindre sammanhängande atmosfär. Det är värt att notera att detta är den första Disney-animerade funktionen som visar de legendariska förmågorna hos den legendariska Howard Ashman , som tillsammans med Alan Menken skulle bli en nyckelkomponent i Disneys förnyade popularitet i slutet av 1980-talet och början av 1990-talet. Det var också den första filmen som dödade verklig färg; filmen färgades till stor del istället av CAPS-systemet som utvecklades med hjälp av ett kämpande datorföretag i norra Kalifornien med namnet Pixar. ( Räddarna Under Under skulle vara den första filmen som använde processen helt.) Även om dessa är intressanta, lägger de ingenting till den faktiska njutningen av filmen, som känns halt och osammanhängande.

52) The Black Cauldron (1985)

Bild via Disney

Den här filmen är hemsk men berättelserna som kom ut ur den är bortom utsökt. Mer än tio år i början (rättigheterna valdes först 1971 och Disney återfick rättigheterna förra året), Den svarta kitteln var den första Walt Disney-animerade filmen med datorgenererade bilder, den första som hade ett Dolby Digital-soundtrack, den första som fick PG-betyg och den första som i stor utsträckning använde 70 mm sedan Sovande skönhet 1979. Det var nadiren efter perioden efter Walt; produktionen var slösaktig, orimlig och kreativt ofokuserad. Och det var tidigare Roy Disney , Walts brorson och en viktig styrelseledamot, såg en grov klippning av filmen och blev förskräckt över vad han såg som överdrivet våld. Han föreslog att trimma blodiga sekvenser men enligt James Stewart 's Disney-kriget , erkände producenten Joe Hale, 'Jag förstår bara inte historien.' Men det var ingenting jämfört med reaktionen som den framkallade i Jeffrey Katzenberg, det nyinstallerade animationschefen som följt Michael Eisner från Paramount. 'Detta måste redigeras', utropade han. 'Animerade filmer kan inte redigeras', informerade Hale honom. Katzenberg stormade in i redigeringsrummet och var tvungen att prata ut av Eisner, som informerade honom om att Roy kunde hantera situationen. Filmen skjöts upp ett år, med mer av det stötande materialet tagit ut och ytterligare dialog spelades in. När Roy dök upp The Today Show och fick frågan vad filmen var kunde han inte säga. När filmen äntligen öppnades förlorade den på biljettkontoret till Care Bears-filmen . Disneys regeringstid var officiell över. De hade nått botten. Och när man tittar på filmen håller det inte bättre. Det är fortfarande ful och rörigt, med förenklade mönster (och detta är efter att de hade lockat Milt Kahl ur pensionen för att göra ytterligare konceptualisering). John Hurt som The Horned King är dock mängder med mardrömmar och är lätt en av de läskigaste (och mest underutnyttjade) Disney-skurkarna någonsin (det fanns en mycket läskig Audio Animatronic-version av karaktären i Tokyo Disneyland - YouTube det ). Den svarta kitteln är ett ädelt misslyckande men det gör det inte mer intressant eller synligt.

51) Hälsningsvänner (1942)

Bild via Disney

Den första i en serie mer ekonomiskt hanterbara 'paketfilmer' som kunde produceras med hjälp av studiens minskade resurser under andra världskriget (när Burbank-studion ockuperades av militärpersonal och producerade ett antal utbildningsfilmer) och den första filmen inspirerad av Walts regeringsstödda goodwill-turné i Sydamerika (mer om det senare), Hälsningar Vänner är mer fascinerande än älskvärda. Filmen är mest känd för sin färgglada introduktion av Jose Carioca (uttryckt av Jose Oliveira ), den brasilianska, cigarrande, samba-älskande papegojan som fungerade som Donald Ducks förbund. Av filmens segment är det mest minnesvärda 'Pedro', om ett antropomorft plan som levererar post i Chile (han följer en liknande väg som den Walt tog). Denna sekvens var faktiskt så bra att den släpptes som en fristående kort av Disneys dåvarande distributör RKO.

50) Tre Caballeros (1944)

Bild via Disney

Uppföljningen till Hälsningar Vänner och den andra av Disneys andra världskrigets 'paketfilmer' som inspirerades av Walts ambassadörskap till Sydamerika. (Kort sagt: Utrikesdepartementet, desperat efter att få stöd i Sydamerika, skickade Walt på en goodwill-turné i regionen. Walt, som tog med sig ett litet team av konstnärer, såg det som ett sätt att kreativt ladda sina batterier.) Tre Caballeros är den roligare, mer energiska versionen av Hälsningar Vänner , och har en annan helt ny karaktär att gå med Jose och Donald: Panchito Pistoles ( Joaquin Garay ), som var tänkt att representera mexikansk kultur. Den introducerade också Aracuan Bird, en konstig sydamerikansk fågel av obestämt ursprung som skulle fortsätta göra flera framträdanden tillsammans med de mer populära karaktärerna. Även om den anses vara en av Walt Disney Animation Studios animerade klassiker, innehåller filmen liberal användning av live-actionfilmer, mestadels med populära kulturpersoner från den tiden ( Aurora miranda , Dora Light , etc.) Det här är en film som är livlig och konstig, särskilt under den kalejdoskopiska 'Donald's Surreal Reverie' -sekvensen som är trippigare än någonting som studion hade gjort utanför sekvensen 'Pink Elephants on Parade' från Dumbo och alla Fantasi . Three Caballeros har också haft en överraskande lång skugga, till stor del tack vare deras utseende (komplett med den magiska mattan från 'Mexiko: Pátzcuaro, Veracruz och Acapulco' -sektionen i filmen) i Gran Fiesta Tour Starring the Three Caballeros, attraktionen i hjärtat av Mexikos paviljong i Epcot Centers World Showcase på Walt Disney World. Vara !

49) Meet the Robinsons (2007)

Bild via Disney

Detta är en udda övergångsfunktion i företagets historia. Under produktionen hade Disney meddelat att de förvärvade Pixar och att John Lasseter, den visionära filmskaparen och Pixar bigwig, skulle leda avgiften den Allt animerade funktioner. När han såg Träffa Robinsons , hörde han regissören Stephen Anderson och berättade för honom hur filmen kunde förbättras. (The New York Times påståenden mötet varade sex timmar .) Filmen slutade skjutas tillbaka och filmen omarbetades kraftigt (något som 60% av det som tidigare hade gjorts kastades ut). Det är oklart om den tidigare versionen av filmen skulle ha varit mycket bättre, men versionen av Träffa Robinsons som släpptes var ganska underkokt. Det finns några fantastiska saker i synnerhet med den här familjen komedi-cum-time reseberättelse Danny Elfmans poäng och några snygga utrop till Tomorrowland-delen av Disney Parks, men totalt sett känns det som piloten till en serie som vi aldrig får se. Det finns så många karaktärer, var och en av dem är tunt skissade, med väldigt lite i vägen för upplösning (eller till och med en tydlig emotionell genomsträngning). Det var arbetet i en studio på avgrunden av förnyad storhet men den här är ... inte bra.

48) Make Mine Music (1946)

Bild via Disney

Den tredje av andra världskrigets 'paketfilmer' som syftar till att hålla studion flytande medan den faktiska fysiska studion ockuperades av den amerikanska militären och tvingades krossa listiga propagandafilmer, Gör min musik har något mer prestige (det ingick i filmfestivalen i Cannes) och en handfull minnesvärda bitar, men som de andra filmerna i denna serie känns som vad det är - en samling oraffinerade idéer som skjuts bredvid varandra och släpps teatraliskt. (Det finns tio segment och ändå spricker filmen knappt en timmes körtid.) De mer minnesvärda delarna av filmen inkluderar 'Blue Bayou' (vacker och melankolisk, den var ursprungligen planerad för Fantasi och fungerade som inspiration för en av Disneylands mest kända restauranger), 'Casey at the Bat' (baserat på Ernest Thayer dikt, reciterad här ) och 'Peter och vargen' (verkligt underbar, baserad på Sergei Prokofiev komposition med berättelse av Sterling Holloway ). Filmen (ursprungligen titeln Swing Street ) var inte en av Walts favoriter (animatörerna var överens om, och hänvisade till den som en 'restförsäljning') och kritiker vanligtvis överdrivna om något med Disney-namnet fäst vid det var likgiltiga. Ändå gjorde det vinst så att fler filmer i stil producerades. Resterande försäljning fortsatte.

47) Roligt och snyggt (1947)

Bild via Disney

Istället för en uppsjö av kortare filmer, Roligt och snyggt gratis skivades rakt ner i mitten (som en av Mickeys bönor), med två berättelser som ursprungligen utvecklades som långfilmer innan de stannade. Det innebar att hälften av filmen ägnas åt 'Bongo', en berättelse om en cirkusbjörn som befinner sig tillbaka i naturen (en berättelse som skulle återvinnas årtionden senare i filmer som Bult ), berättad av Jiminy Cricket; och 'Mickey and the Beanstalk', den mycket större delen av filmen, som placerade Walts mest kända karaktär i den klassiska sagan. (Detta hade varit en idé som hade föreslagits redan 1940 som en funktion med titeln Legenden om Happy Valley .) 'Mickey and the Beanstalk' berättades av Edgar Bergen , som Disney biograf Neal Gabler noteras som 'en av de få människor' Walt umgås med. Medan Mickey-delen av filmen är överlägsen, lider den också lite av att kasta Mickey som bara en annan karaktär (ett liknande öde drabbade Muppets när de tvingades till klassiska litterära anpassningar), som Gabler också noterar. Kanske berättar det att detta var den första filmen där Walt inte uteslutande karaktären själv. Istället kallade han ljudeffekter man Jimmy Macdonald in på hans kontor och berättade för honom att han inte hade tid längre, även om det teoretiserats att hans röst, som fick en grusig kvalitet på grund av hans kedjerökande filterfria cigaretter, förmodligen hade något att göra med det. Macdonald skulle rösta karaktären under de kommande 38 åren. Så medan Mickey i den här filmen hade drivit långt ifrån musen som var så älskad, var det början på en version av karaktären som skulle pågå under de kommande decennierna.

46) Meloditid (1948)

Bild via Disney

Kanske den mest ojämna av 'paketfilmerna' finns det också lite lyrisk skönhet att hitta i Meloditid , som trots sina upp- och nedgångar gör det till det bästa av gänget - eller åtminstone det mest intressanta. Ursprungligen avsedd som en antologi av amerikanska folkhjältar (endast två är kvar i slutprodukten), tjänar den som en slags halvformad uppföljning av Fantasi , som trots sin kommersiella framgång fortfarande sågs som en kreativ nordstjärna. Av de sju korta sektionerna är de flesta åtminstone underhållande och vissa är helt fantastiska. 'Once Upon a Wintertime', med sin djärva, grafiska estetiska och ordlösa berättande, är något av en Disney-klassiker; det finns en slags udda skönhet i 'träd', främst på grund av dess användning av 'frostat' celler för att förmedla dess berättelsebok ursprung; 'Pecos Bill' är en väckande hälsning till amerikansk mytframställning; och 'Skyll det på Samba' har våra vänner från Hälsningar Vänner , vilket är kul. I sista hand, Meloditid (som de andra paketfilmerna) sitter besvärligt mellan en överlång 'Silly Symphony' och den stora ambitionen med Fantasi . När filmen släpptes lyckades den inte få tillbaka sin rejäla prislapp på 2 miljoner dollar, åtminstone (av Roy Disney) på en polioskrämma som höll barn borta från biografer. Resultatet var permitteringar i studion och en tre veckors hawaiisk kryssning för Walt. Han ville glömma jobbet ett tag. Det är lätt att förstå varför.

45) Räddarna (1977)

Bild via Buena Vista Distribution

Kom ihåg nu mer för enbildsskarv av en pornografisk film i bakgrunden än för någonting i själva filmen, Räddarna är intermittent charmig men mestadels smaklös och slapp. Ursprungligen försökt år tidigare med Djungelboken favorit- Louis Prima i en framträdande musikalisk roll (han skulle också spela en sjungande björn) sattes den i väntan efter att sångaren upptäckte att han hade en hjärntumör. Istället två andra Margery Sharp berättelser anpassades och kombinerades för att forma Räddarna . Idén om ett par djurdetektiver som försöker lösa ett brott i den mänskliga världen är en genial idé (originalaffischen lovade 'mysterium,' 'roligt' och 'intriger'), och Bob Newhart och Eva Gabor är fantastiska artister, väl lämpade för animering. (Tänk bara på Newharts felfria cameo som berättar om Krusty Simpsons eller Gabors överlägsna prestanda i Aristocats .) Men filmen känns oändlig och animationsstilen (kallad xerografi på grund av att animatörens linjer kopieras till cels), som är charmig i andra filmer, känns billig och oavslutad här. Linjernas hårighet lägger till en snuskig kvalitet på hela företaget (som helt drogs in i de djävuliga djupen av den animatören som skar ett skott från en vuxen film i bakgrunden av en av scenerna). Den mest minnesvärda aspekten av filmen är förmodligen Madame Medusa ( Geraldine Page ), en skummig skurk som ursprungligen skulle vara Cruella de Vil och så småningom modellerades av den legendariska animatören Milt Kahls ex-fru (på allvar). Karaktärerna till Bernard och Bianca skulle ses över år senare i en överlägsen (och fortfarande konstigt förbises) uppföljare, den första i Walt Disney Animation Studios historia.

44) Aristocats (1970)

Bild via Disney

Detta, av alla saker, var den sista filmen som Walt Disney själv godkände före hans alltför tidiga död 1966. Ursprungligen tänkt som tvillingepisoder i sin bästa TV-serie, Walt gillade historien (av Walt Disneys Underbar värld av färg författare Tom McGowan och Tom Rowe ) så mycket han föreslog att det skulle kunna fungera bättre som en animerad funktion. Även med mer än två års arbete för att förfina historien känns filmen ofta sliten och som en mindre version av bättre Disney-filmer ( 101 dalmatiner specifikt). Vokalföreställningarna av Phil Harris och Eva Gabor är ess, liksom låtar av Sherman Brothers ('Everybody Wants to Be a Cat' och 'Thomas O'Malley Cat' är certifierbara klassiker). Men även låtarna har en slags bittersöt kvalitet på dem; detta var den sista filmen som Sherman Brothers skulle arbeta med för företaget och fann den professionella atmosfären i studion giftig efter Walts död. (De skulle inte återvända förrän Tigger-filmen 2000.) Detta var en period av slöhet och kreativ oro och i Aristocats … det syns.

43) Robin Hood (1973)

Bild via Disney

Kontrollera din nostalgi: Robin Hood är inte särskilt bra. Det föddes av många övergivna idéer och halvbakade lutningar - Walt Disney ville göra något med räven Reynard, en medeltida karaktär som ursprungligen skulle tjäna som animerade vignetter för att införlivas i Treasure Island ; en animerad anpassning av populärt spel Chantecler (huvudpersonen var en tupp) hade utvecklats men skrattade; och designer Ken Anderson hade framgångsrikt samlat stöd för en all-animal version av Robin Hood i djup söder (en idé som Song of the South hade redan surat). Den resulterande filmen är varken fisk eller foul (eller räv), en lös samling av klassiska troper, onekligen underbara karaktärsdesigner av Anderson (även om det alltid störde mig varför en orm Sir Hiss var furry ) och animerade sekvenser som bokstavligen återvanns från tidigare, mycket bättre animerade funktioner. (Medan vissa tycker att det är ful, är jag ett stort fan av utseendet på Xerox-fotograferingsprocessen, vilket gav linjerna ett slags trasighet .) Robin Hood är smärtsamt framkallande för filmerna som gjordes i efterdyningarna av Walts död, med kreativa principer för upptagen med att undra vad Disney skulle ha gjort (eller gillat) som de aldrig tänkt att förnya sig själva. Det har sin charm och det påverkade helt klart förra årets Oscar-vinnare Zootopia men Robin Hood är långt ifrån en klassiker.

42) Pocahontas (1995)

Bild via Disney

Ja, Pocahontas är vacker, med sin skarpa grafiska estetik som påminner om Sovande skönhet och 'Once Upon a Wintertime.' Den regisseras av två av Walt Disney Animations allra bästa, Mike Gabriel och Eric Goldberg . Det finns ett par fängslande låtar. Men, och jag ber om ursäkt till ditt nostalgi-dyrkande inre barn när jag säger detta, det är också ganska eländigt och en nykterande påminnelse om att stamtavla inte motsvarar underhållningsvärdet. Gabriels ursprungliga tonhöjd med en bild av Tiger Lily från Peter Pan , förmodligen fått det snabbaste gröna ljuset i studiens historia. (Detta hade att göra med ett antal faktorer, inklusive det snabba sättet att filmer slogs tillbaka på dagen, den lockande bilden Gabriel hade skapat och studiens långvariga önskan att göra en animerad version av Romeo & Julia .) Animationschef Jeffrey Katzenberg, å sin sida, trodde att det kunde vara en annan Skönheten och Odjuret , medan Disney-chefen Michael Eisner oroade sig för att den inte kunde leva upp till standarderna för den senaste skiffern av hits och nitpickade detaljer i historien och musiken.

I slutändan hade Eisner rätt. Filmen fungerar bara inte så bra som den borde. Det är både för tungt och samtidigt blir försöken att lindra mörkret bara tonvis inkonsekvent och out-of-place. Du kan känna det ansträngning för att behålla allvaret, även under sekvenser med pratande träd eller komiska mopsar. Det är uppblåst av sin egen uppblåsta känsla av själv. 'Colors of the Wind' är verkligen en showstopper, men annars kan du namnge en annan låt från filmen (förutom den otroligt tvivelaktiga 'Savages')? Medan karaktären har upprätthållit en hel del popularitet på grund av hennes inkludering i Disney Princess-konsumentprodukter, har filmen till stor del bleknat ur minnet. (Inte för att det var en smash till att börja med; jämfört med de tidigare utgåvorna från samma tidsram, underskattade det kritiskt och kommersiellt, även om det var en väckande Pocahontas -tema ritt planerades för den så småningom nedlagda Disney's America temapark.) I varje sekvens av Pocahontas du kan känna dess goda avsikter men samma avsikter är det som gör att det känns så säkert och tråkigt. Uppriktigt sagt kunde det ha använt lite vildhet.

41) Winnie the Poohs många äventyr (1977)

Bild via Disney

Den här charmiga samlingen av kortare äventyr med Winnie the Pooh med tre sektioner hade redan släppts teatraliskt och en fjärde nyskapades för detta program. Inkluderat här är förmodligen de mest kända berättelserna, inklusive 'Winnie the Pooh and the Honey Tree' och 'Winnie the Pooh and the Blustery Day', och eftersom dessa funktioner redan hade producerats skryter de med en mördares rad talang, inklusive men inte begränsad till animatörer och berättelser som män gillar Ken Anderson och X. Atencio och låtskrivare Richard och Robert Sherman. Det citeras också starkt att tekniskt sett var detta den sista filmen som Walt själv personligen arbetat med, eftersom han hade en hand i både 'Honey Tree' och 'Blustery Day'. Nalle Puhs många äventyr är förmodligen den mest ikoniska, klassiska representationen av alla Hundra Acre Wood-kompisar och fartyget som de introducerades för en enorm global publik. (Så småningom skulle Disney-företaget direkt äga karaktären och köpa den årtionden senare från AA Milnes egendom.) I slutändan ångras den bara av dess struktur / start / stopp-karaktär och för att vara en paketfilm som består av äldre, tidigare släppt material. istället för en ny, längre historia. Det skulle så småningom hända, men många, många år senare.

40) Fantasy 2000 (1999)

Bild via Disney

Walt hade alltid velat göra en annan Fantasi. Innan det släpptes antog han att det kunde ha gått i årtionden, med ett ibland nytt segment som läggs till för att blidka nya publik. Medan arbetet med en uppföljning flörtades med i början av 1980-talet var det inte förrän Fantasi släpptes på hemmavideo 1990 och såldes i 15 miljoner exemplar (!) som företagets chef Michael Eisner gav projektet grönt ljus. (Jeffrey Katzenberg hatade alltid det och det förblev ett passionprojekt av Roy E. Disney, Walts brorson.) Produktionen var i alla fall en mardröm när Roy och hans medarbetare trampade igenom bitar av klassisk musik och debatterade oändligt om stil och riktning de olika segmenten bör ta. Det faktum att allt tog så lång tid gör de slutgiltiga besluten ännu mer förvirrande ('Pomp and Circumstance' som en konstig komisk återberättelse av Noahs Ark med Donald Duck som Noah? Verkligen?) Men, medan den allmänna kvaliteten inte når de astronomiska höjderna av originalet, de avsnitt som är bra är verkligen verkligen Bra . I synnerhet den jazzy 'Rhapsody in Blue' sektionen, animerad av den stora Eric Goldberg och baserat på den karikatyriserade stilen av Al Hirschfeld , är en enastående. Liksom 'The Firebird', en svepande, kvasi-andlig efterträdare till originalet 'Night on Bald Mountain', den här gången med ett mildare, mer miljömedvetet budskap och till och med drömmare bilder (uppnådd via en romantisk kombination av traditionell animation och datoriserade effekter), baserat på Igor Stravinsky s balett med samma namn. Medan Fantasy 2000 gjorde inte samma inverkan som originalet Fantasi , det fanns ett antal smidiga utställningar av filmen, inklusive en begränsad körning som innehöll en full orkester (var och en av dessa föreställningar kostade företaget över 1 miljon dollar) och en bredare IMAX-presentation.

Vad som är ännu mer förvånande är det åtminstone två uppföljare var under utveckling efter filmens släpp (som jag känner till); den ena var baserad på världsmusik och hade flera segment att gå i produktion (när projektet skrotades släpptes dessa segment som kortfilmer) och det andra baserat på en handfull idéer som gjordes av Goldberg själv. Det är synd att Fantasy 2000 , som idag spelar som en omedelbar tidskapsel tack vare de sena 90-talets specifika gästspel (som bjöd in Penn & Teller ?) var slutet på linjen för Fantasi varumärke. Det ursprungliga projektet var så innovativt och det var tydligt så nära Walts hjärta att det är en stor besvikelse oavsett hur du skär det och vilken vacker musik som spelas in i att få franchisen att sluta här med en ojämn funktion som de flesta hoppade över. bakgrunden.

39) Treasure Planet (2002)

Bild via Disney

direktör Ron Clements , som skulle fortsätta skapa några av de mest oförglömliga klassikerna under den så kallade Disney-renässansen, hade inte samma inflytande 1985. Då befann han sig att delta i en av de 'gong show' tonhöjdssessioner som Michael Eisner och Jeffrey Katzenberg skulle dirigera, där animatörer snabbt skulle lägga upp flera idéer som antingen accepterades eller avfärdades, precis där. Två av Clements idéer den dagen avvisades. En var för Den lilla sjöjungfrun (avfärdas för att det var för likt Disneys senaste live-action-hit Stänk ) och den andra var något Clements beskrev som ' Treasure Island i rymden.' (Enligt författaren James B. Stewart gongade Eisner tanken, delvis för att han visste att det fanns en Treasure Island -stil Star Trek uppföljare i verk på Paramount.) När Disney försökte få Hercules efter en misslyckad utvecklingsperiod på en Odyssey animerade funktion, de gick till Clements och hans regissör John Musker och sa till dem att de äntligen kunde göra sin '' Treasure Island i rymdens film om de bara skulle få Hercules över mållinjen. De kom överens.

Men då Treasure Planet (som det så småningom kallades) var under utveckling, Atlantis : The Lost Empire hade kommit ut, en liknande teman (och ännu viktigare, identiskt marknadsförd) animerad sci-fi-film hade kommit ut och ignorerats av publiken. Helgen efter Treasure Planet öppnade för en svag biljettkassa, meddelade Disney-mässing en nedskrivning på nästan 75 miljoner dollar på filmen, den största i animationens historia. Ändå nominerades filmen till Oscar för bästa animerade funktion och det finns några häftiga saker med det. Men som helhet fungerar det inte nästan lika bra som det borde, känns som ett antal anonyma animerade funktioner från samma period (hej Titan A.E. !) Översättningen av Robert Louis Stevenson Den klassiska berättelsen till en intergalaktisk miljö är förvånansvärt sömlös (manuset bearbetades av Ted Elliott och Terry Rossio , Clements och Muskers medarbetare på Aladdin och medarkitekter Pirates of the Caribbean franchise), även om några av idéerna och karaktärsdesignerna inte riktigt fungerar (WTF är globalt sidekick Morph om hur som helst?) Kanske är det mest fördömliga hur lite du ser Clements och Musker i arbetet. Dessa killar är klassiska filmskapare som vet hur de ska uppfinna och undergräva både publikens förväntningar och det ursprungliga källmaterialet, men här känns berättelsen föråldrad och desperat strävar efter relevans (det räcker inte att Jim Hawkins har en cool alt-rockklippning i den här filmen men han är också en surfare ). Ändå är detta en film som är snyggt producerad och har ett antal onda tekniska innovationer, som John Silvers datorgenererade mekaniska arm. Du önskar bara att det var en film så spektakulär att den skulle rättfärdiga årtionden av smärtsam utveckling. Kanske var det rätt att bli gongad.