25 stora 90-talsfilmer som tiden glömde

Vilken Film Ska Jag Se?
 
90-talets nostalgi är på en högsta nivå, men vi vill pumpa upp volymen på några av dessa fantastiska flicks som inte blir tillräckligt pratade.

Alla har den filmen som de älskar eller beundrar mycket, men ingen verkar någonsin prata om. Det är inte konstigt. När allt kommer omkring släpps hundratals filmer varje år; några bra, många dåliga och några fantastiska, så det är lätt för kvalitetsfilmer att glida under radaren och falla i dunkelhet genom åren. Även när nostalgi på 90-talet når en rekordhög nivå tenderar den bara att vara runt vissa överenskomna filmtitlar som bäst representerar decenniet. Men som alla cinephile- eller VHS-krigare vet, finns det storhet i sprickorna.

Tack vare VOD och streamingtjänster är det lättare än någonsin att komma åt dessa glömda pärlor, och det borde du verkligen göra. Det är en explosion och en bra påminnelse om att filmer betyder mer än biljettkontor och franchising. Vid sammanställningen av denna lista blev det uppenbart att ett sätt på vilket 90-talet skilde sig från 80-talet var en efterklang av effekterna av okontrollerad kapitalism och könsroller som Generation X sa nej tack till och stansade Baby Boomer-generationen direkt i kyssaren . Som sådan såg satiren en stor berättande comeback, från att smutsa upp sagor till att ta itu med den tidigare generationens olika politiska skandaler.

Den här listan startades av Haleigh Foutch och den likasinnade Brian Formo tog mallen och lade till några decennier - med hjälp av ett kriterium på under 10 000 röster från IMDb för att gräva ut några riktigt undersökta flicks för tematlistor på 1970- och 80-talet. Men med 90-talet som årtiondet som föddes IMDb användes inte kriterierna för att uppdatera listan. Mest allt här har under 20 000 röster på IMDb men mer än hälften faller under 10 000. Den ensamstående outlierna och mest älskade titeln på den här listan är en av Haleighs favoriter hela tiden och funktioner på Brian går till karaokefogar (av Violent Femmes) så vi låter den glida. Så, låt oss fortsätta; 25 av våra favoritglömda 90-talsfilmer finns nedan.

Pump Up the Volume (1990)

'Får du någonsin en känsla av att allt i Amerika är helt knullat?'

Släpptes 1990, Pumpa upp volymen är mer i linje med 80-talets biograf än 90-talet, men det är alldeles för jävligt bra och för försummat att lämna listan. Från författarregissör Allan Moyle , Pumpa upp volymen är den osunna syskonfilmen till hans vördade kultklassiker Empire Records . Filmen spelar 90-tals ultra-babe Christian Slater som Mark Hunter, en socialt obekväm och extremt ljus gymnasieelever som 'inte kan prata' med de människor han vill i sitt verkliga liv, så han tar sig till luftvågorna med ett piratradioprogram som Happy Harry Hard-On, en smutsig men vältalig röst som låter tonåringens orättvisor och svårigheter. Blyg student om dagen och skämt om natten, Mark fyller luftvågorna med sina raser mot orättvisa, allvarliga försök att ge sina lyssnare råd och ibland simulerad onani (han är trots allt en tonårspojke). Det som börjar som ett sätt för Mark att få ut sina frustrationer och kommunicera med världen hamnar i uppror hos sina medstudenter och inspirerar dem att förändra sina liv.

Mellan att ta itu med tunga ämnen som homosexualitet, självmord och utbildningsrättigheter, vänder filmen ibland in i tonårsmelodrama, men drunknar aldrig i sin egen ångest tack vare Moyles hjärtliga manus och essföreställningar från sin unga spelare. Slater bär filmen och balanserar de vacklande tonerna av komedi, tungt material och Mark / Harrys motstridiga personas med lätthet. Samantha Mathis (som borde ha varit en större stjärna) strålar som Nora, en smart och begåvad ung kvinna som söker efter Harrys sanna identitet och hittar sin match i Mark. Även om den romantiska delplottet är ett av filmens svagare element, och det finns en riktigt bisarr mängd läppslickning före varje kyss, delar de två en härlig kemi.

För en 27-årig tonårsfilm, Pumpa upp volymen håller otroligt bra. Teman om tonårsförlängning och missnöje kommer förblir relevanta, men idéerna som filmen lägger fram om delad gemenskap är konstigt ännu mer relevanta i vår internetålder. Här kan vi direkt ansluta till nästan alla över hela världen, och ändå känner vi oss lika isolerade som någonsin. Teman förblir så tillämpliga att Pumpa upp volymen ber praktiskt taget om en remake med en hård Harry som spottar sina hymner från en podcast eller YouTube Live, eller något av de nya sätten vi klamrar på för att ansluta. Inte för att jag vill se det hända; det kommer förmodligen att. Du har blivit uppsagd. Prata hårt. - Haleigh Foutch

Att sova med ilska (1990)

Bild via Sony Pictures Släpp

'Du måste arbeta i ondska.'

Du har antagligen hört rådet 'lägg dig inte i vila med ilska.' Karaktärerna i Charles Burnett 's Att sova med ilska måste sova med ilska för att en långt borttappad familjevän har dykt upp och vägrar att låta sovande hundar ligga; han gräver upp gamla sjukdomar och förvandlar ett familjehushåll till sig själv - bara genom att testa deras artighet. Den kompisen är Harry och han har spelat med charm av Danny Glover för att Danny Glover är en charmig skådespelare. På höjden av Dödligt vapen berömmelse detta är Glover på hans mest sympatiska. Vem skulle inte släppa in honom om han kom och bankade på din dörr?

Harrys närvaro i en gammal väns hus i Los Angeles är som ett spöke från det förflutna på landsbygden. Du kan ta en vän från söder, men de kommer fortfarande att försöka behålla den södra gästfriheten så länge som möjligt. Och drifters vet hur man rider gästfrihet till slutet av linjen. Harry är en drifter. Han knackar på dörren till Gideons hem och han väver över barnet som svarar på det. Det finns något surrealistiskt för ett barn om en främling vid dörren som är inbjuden in. Vi ber våra barn att inte prata med främlingar men vi bjuder in någon att stanna hos oss som vi inte har sett på flera år, även om år av separation kan få människor främlingar igen.

Harry säger att han kommer att stanna några dagar, men han är där och dricker och spelar kort mycket längre; han ifrågasätter maskuliniteten hos männen i familjen och tar upp gamla nagg som alla utom Harry har begravt - men det görs alltid med ett leende. Så småningom Gideon ( Paul Baker ) och hans familj börjar misstänka att Harry är djävulen själv. Att sova med ilska är den sydligaste filmen som inte spelas i söder och det är den närmaste filmen för att uppnå magisk realism utan att verkligen engagera sig med någon magi. Det är ett mycket intressant tillvägagångssätt från Burnett att tillämpa en typ av voodoo på en film där dessa övertygelser skulle vara främmande för området. Och Glover är helt enkelt magnifik. Även om han bär ut sitt välkomnande med Gideon och hans familj, är han alltid en välkommen klocka för publiken. Och så går filmens magi: vi tycker om att spendera tid med karaktärer som vi gärna vill sparka ut från våra egna hem. - Brian Formo

Tillit (1990)

Bild via finlinjefunktioner

”Jag hade en dålig dag på jobbet. Jag var tvungen att undergräva mina principer och kow-tow till en idiot. TV möjliggör dessa dagliga uppoffringar. Dödar den inre kärnan i mitt väsen. '

Några år tidigare Flaskraket sätt på en indiekrona Wes Anderson huvud, Hal Hartley var indiesåpaoparastjärnan i arbetarklassen. Och Förtroende var hans Rushmore . Hartleys karaktärer har vilseledande mål eftersom de har sett så många timmar av TV och TV är en distraktion från deras eländiga liv - men de håller alla andra på en standard som ingen annan är intresserad av att möta eftersom livet suger. Utanför Richard Linklater 's Slöfock , Förtroende är den mest Gen-X-film man kan tänka sig. Hartley tar konsumentaspekterna av vårt samhälle och behandlar dem lika seriöst som Jane Austen gjorde med känslor.

Nämnde jag att det är lite roligt? Handlingen till Förtroende är nästan obeskrivlig, inte för att fantastiska saker händer, utan för att Hartley roar sig över de otroligt vardagliga uppgifterna vi måste göra. Maria ( Adrianne Shelly ) går i gymnasiet och hon är gravid. Hon berättar för sina föräldrar sin plan att gifta sig med pojkvännen och hennes far tappar död när han hörde nyheterna. Hon berättar för sin pojkvän sin plan och han berättar för henne att han har fotbollsövning. Efter att ha sparkats ut ur huset möter hon Matthew ( Martin Donovan ) som kan vara en framtida seriemördare eller hennes själsfrände. Matthew har ett fruktansvärt manuellt arbete och hans far får honom att städa badrummet i timmar. Det här är de saker som kan leda honom till massmord. Eller kanske Maria och hennes bebis kommer att sätta honom på rätt väg till att vara en uttråkad styv som inte har någon lust att döda, utan bara att existera.

Scener in Förtroende flytta med stor precision där språket eskalerar snabbt och absurt men handling inte. Det fungerar i huvudsak som en otäck tvålopera utan action. Hartleys filmer är olika typer av underhållning fast i en berättelse eftersom vi är för lata för att byta kanal. Det är en unik produkt av sin tid och om du älskade något alternativ måste du ge det ett skott. - Brian Formo

Mo 'Better Blues (1990)

Bild via Universal

premiärdatum för disney plus -film 2020

'Jag kanske har fötts igår, men jag stannade uppe hela natten.'

Mo 'Better Blues är Spike Lee s maskulina svar på Hon måste ha det , där en tvåtidsman bara behöver välja en kvinna när hans jobb inte längre ger honom en identitet. Och i Blues , att människans undergång kommer genom förening och lojalitet mot en annan man vars uppgift det är att främja hans storhet. Denzel washington är en trumpetspelare som heter Bleek som leder en kvartett med sitt namn på; även om de har en vanlig spelning som är full, hans manager ( Spike Lee ) är förmodligen den som håller tillbaka gruppen eftersom han inte är stor i branschen (trots att han heter Giant) eftersom han just anställdes på grund av sin vänskap med Bleek; men Giants sidoskulder får mer uppmärksamhet än Bleeks stabila ensemble.

Mo 'Better Blues är full av karisma och jazzy toppar och dalar. Att arbeta inom en jazzklubb och ett jazzmusikers sovrum är den perfekta miljön för Lees gratis jazzkameraöverskott; kameran snurrar, den glider genom gångarna, den faller ner i soptunen. Den här filmen rymmer kanske mitt favoritkamera-ögonblick, eftersom kameran följer var och en av Bleeks två kvinnor när de går in i klubben i samma röda klänning, kastar tillbaka till Lees chef som ser dem sitta ner och följer honom på övervåningen för att förklara att han förutspådde att detta skulle hända.

Men tillbaka till svaret på Hon måste ha det , även om filmen finns i sin egen disiga bubbla av mässing och röv, är anledningen till att Bleek tvingas slå sig ner det ultimata ögonblicket för sårad maskulinitet: att förlora arbete. Att vara vördad för sitt arbete är det som gör att Bleek tilltalar tillräckligt många kvinnor för att han inte känner behov av att begå en; men efter yttre händelser slå ner honom, försöker välja en kvinna när han behöver lyftas upp.

Kommer efter Gör rätt Sak , detta var första gången Lee fick runtime-canvasen för att bli mer överdriven, och han fortsätter berättelsen bortom det sårade tillståndet för att visa att det är acceptans av självbegränsningar som kan skapa fullare acceptans för andra, och därmed en kärlek överlägsen. Även om tillhållet delar av Blues är bra (här är platsen att koppla in det Wesley Snipes är i Bleeks band), det är den tredje akten (och efterföljande epilog) som gör Mo ’Better en av Lees bästa. ~ Brian Formo

Chameleon Street (1990)

Bild via Northern Arts Entertainment

'Åh, jag önskar att jag kunde tala franska så.'

Jag har sett Steven Soderbergh 's Utom synhåll en handfull gånger och i en knockout topp-till-botten-roll, stod Jenifer Lopezs chef Daniel alltid ut i en roll av vem som är vem. Hans älskling uttryckt / framför allt läsning av raden 'vad som helst' med ögat rulla och händerna uppåt är bara så jävla perfekt. Hur som helst, Daniel spelas av Wendell B. Harris, Jr . och Soderbergh anställde honom för året efter sex, lögner och videoband ändrade Sundance Film Festival för alltid, Soderbergh tjänstgjorde i juryn året därpå och tilldelade Harris Grand Prize för Chameleon Street , en film som Harris skrev, regisserade, spelade in och producerade, och också att Hollywood helt skruvade över honom direkt efter att Soderberghs pris borde ha lagt grunden för en större karriär.

Du förstår, den här mikrobudgetfilmen har en Hollywood-berättelse där: den sanna berättelsen om en svart ex-con (Harris) som framgångsrikt gick bort som en Detroit Tiger, en läkare, en fransk doktorand och en advokat, och utförde till och med framgångsrika operationer som han lärde sig i farten. Hollywood tänkte på en ledande man om när den köptes, den köptes inte för att visa på egen hand. Filmen som de köpte, och inte släppte, sköts som en industriell film och använder berättelse för att fylla i luckorna (men slog dig också med lite magskratt). Chameleon Street saknar standard pizazz, men har en arg underström om hur svarta män måste anta personas för att få respekt och / eller lika möjligheter. (Nämnde jag att det var roligt?)

Chameleon Street är en bra bedrift att titta på idag, och vi har nytta av att titta på 90-talets oberoende filmrörelse utvecklas, eftersom det delar utseendet och tonen hos andra indigudar som Hal Hartley och Gregg Araki . Men Harris slog dem till stans och led för det. Warner Brothers hade ingen avsikt att släppa sin film, bara göra om den, och så försvann filmen i dunkel, det prisbelönta videobandet som följde sex, lögner och videoband som slukades av lögner och såg aldrig den faktiska spridningen förrän Harris släppte den på hemmavideo 2007. (En remake gjordes aldrig heller, dock Sex grader av separation delar många karaktärslikheter och Smith ansågs för återinspelningsrollen.)

Gata drar mycket nytta av Harris röst, som stod ut i Utom synhåll , en sirapsaktig ton som rör sig långsamt; och när den rör sig, rullar den ut. Först, en antydan till utbildning i varje ord, och för det andra en 'jävla dig' undanstoppad för att motbevisa ditt entranced tillstånd. Detta är en tydligt Sundance-film från 1990 på alla de absolut bästa sätten. Det är intelligent, det är personligt, allt sammanställs av någon som inte hade tillgång till Hollywood. Och den har en scen där Harris är klädd som Jean Cocteaus Beast och även om han har upptäckt av en fransk student att han inte är fransk, är han fortfarande i vördnad för den översatta förolämpningen som kommer hans väg. Istället för att svara otroligt på att bli märkt som en 'skinflint-transvestit' som borde dricka 'ljummet kattpiss,' rullar 'Harris' ögon till ett orgasmiskt tillstånd bakom Beast-masken och han säger, 'Åh, jag önskar Jag kunde tala franska sådär . ” Sann indiefilm himmel. ~ Brian Formo

Blue Steel (1990)

Bild via MGM

'Polis! Lägg ner pistolen!'

'Åh, gå ur mitt ansikte, dam!'

Blått stål är den ultimata # MeToo-filmen; det kommer 28 år före den långa tiden och från den första och enda kvinnliga regissören som vann Oscar för bästa regissör, Kathryn Bigelow , som steg igenom filmrankarna genom att göra 'manliga filmer.' Hela filmen handlar om en kvinna ( Jamie Lee Curtis ) gör ett jobb som har fetischiserats för att göra män till hjältar och en rik man ( Ron Silver ) som fetischiserar den kvinnliga polisen som han bevittnar skjuter en man i stormarknaden. När mannen börjar förfölja henne har han fått alla läskiga inträde i hennes personliga utrymme helt enkelt för att han har en bra advokat och polisavdelningen inte vill ha pressens huvudvärk om de sätter killen i fängelse. Detta är den moderna könsberättelsen som filmats som en 70-tals exploateringsfilm; alla störande närbilder, slow motion-blodsträngar och alla mikrofoner som ringts till 11 för att fånga varje slarvig kyss, slicka på naveln och kulor som spränger genom en megafon.

Redan från början arrangerar Bigelow en öppningstarm. Bigelow förstärker ett inhemskt argument som låter väldigt, mycket nära att koka över till fysiska övergrepp eller värre. Vi hör att det ringde upp medan Curtis går nedför en lägenhetskorridor med pistol. Hon går in i lägenheten och mannen har en pistol mot kvinnans huvud. Hon kan skjuta honom först men hon tittar aldrig på kvinnan som hämtar sin älskares pistol och slår Curtis skulle vara död. Skulle vara, eftersom det är en simulering, går kvinnans pistol aldrig av; alla skrattar åt henne för att hon inte betraktar kvinnan som ett hot.

Anledningen till att denna öppning fungerar så bra är att ljudet av argumentet är så intensivt, bara kikar in i dörröppningen, pistolritade visar varför filmer har fetischiserat och byggt poliser som hjältar inkarnerade. Det är modigt att komma in i den situationen och det är extra fruktansvärt eftersom ilskan hos en man, ja, du vet aldrig vad du kommer att se bakom den dörren. Men då är extra rytmen att den kvinnliga polisen skulle förbise offret och sedan dödas av offret mycket talande. Hon är ute efter att få skurkar. Men först när hon är ett simulerat offer börjar hon se utsatta kvinnor överallt. Och hon börjar hålla fast vid dem för att männen i hennes avdelning inte tror på hennes berättelse om stormarknadens skott för att pistolen inte hittades. Det är bara golvet i maktpyramiden som tar henne bokstavligen upp i NYC-helikopterzonen för orörliga män.

Blått stål har definitivt några röriga sexuella ögonblick men Bigelow ger i slutändan ett visceralt tryck på axeln, detta är samtycke, och det här är det inte. Bigelow arrangerar många olika invasioner av Curtis personliga utrymme där hon bara får höra att ingenting kan göras. Systemet möjliggör för värre saker att hända med henne. Och när hon attackeras, fokuserar Bigelow inte på den handlingen utan på systemet som tystnar kvinnor; särskilt för att detta är en tystnadscocktail som genomförs av mäktiga män med märken och mäktiga män med pengar.

Det finns också ett mycket roligt utbyte när Curtis polis har en konversation med en man på en grill som hotas av sitt yrke, eftersom det vanligtvis är män som har den auktoriteten. Hans attraktion går från glödhet till nedåt. Han frågar henne varför hon skulle göra det och hon säger 'för jag gillar att slå huvudet mot väggen.' Mannen säger då att han måste gå och hon säger till honom att inte vara så seriös och lätta upp lite. Jag kunde inte låta bli att tro att den grillkonversationen kunde ha hänt med Bigelow som sådan, 'Vad gör du?' 'Jag är filmregissör.' 'Åh, så gör du rom-coms?' Bigelow: 'Jag slår mäns huvuden mot väggarna.' Mannen går bort och Bigelow säger, 'Koppla av, det är vad du gillar att se, eller hur?' ~ Brian Formo

Flirting (1991)

'Det är okej, du behöver inte berätta för mig ... Men jag tror att om jag gillade någon nog skulle jag vilja ...'

Tittar nu, Flörta har en inbyggd Jisses! faktor eftersom det innehåller mycket tidigt arbete från framtida Hollywood-stjärnor Thandie Newton, Nicole Kidman och Naomi Watts och den framtida australiensiska karaktärsskådespelaren, Noah Taylor . Men John Duigan Undervuxna äldre pärla är så mycket mer än en 'innan de var stjärnor' klippshow. Älskar du Harold och Maude ? Tänk på den här motsättningen om vad som skilde Harold och Maude inte var ålder utan ras, kontinenter och folkmord.

Fysiskt sett skiljer det Thandiwe (Newton) och Danny (Taylor) faktiskt en sjö som ligger mellan pojkens akademi och flickans akademi för en privat australisk internatskola. Danny, här är Harold-delen, är en excentrisk misfit som föreställer sig rektorn som en del av Tredje riket och inte försöker göra några kompisar i skolan. Thandiwe är dotter till en ugandisk diplomat som undervisar vid ett australiensiskt universitet eftersom hans motstånd mot den nya ugandiska regeringen har gjort honom ovälkommen. Det är 1965 och rock-and-roll radioinvasionen har hittat vägen till denna avlägsna skola över en mycket större damm, där caning fortfarande är en vanlig del av disciplin och dansbesök kräver en hårklippning. Thandiwe dras till Danny eftersom han har en upprorisk anda. Han ror över sjön efter midnatt för att flörta med henne, hon gömmer sig i pojkernas badrum när hon håller sig förbi utegångsförbudet. Det är en väldigt söt uppvaktning, men det som gör det annorlunda här än någon annan liknande film är att en konflikt i Afrika avgör hur länge de faktiskt måste spendera tillsammans. Det är en kontinent som unga rebeller aldrig riktigt tänkt på då och allt som Danny lär sig är nytt. Inte bara kyssar, förspel eller sex, utan helt nya idéer om demokrati, globalisering och revolution.

Förutom denna krossade globala kärleksaffär som spelas ut över en sjö, vad som gör Flörta extra speciellt är att Duigan förstår hur komplexa tonåringar faktiskt är. I en mindre film kommer de vanliga tjejerna som först retas med Thandiwe att bli sämre och pojken som mobbar Danny för hans stammare kommer att ge honom in för att lämna sent på kvällen för att lägga sig med Thandiwe. Istället avslöjar den första isiga Nicola (Kidman) och mobbaren att de har lager och medkänsla för sina medstudenters situation. Den medkänslan kommer inte från en a ha tal, men bara små och naturliga stunder där de väljer att inte stoppa kärleksfåglarna. Det är en medvetenhet om att världen är större än dem och för det här paret är det en värld som faktiskt håller dem isär, men på något sätt har dragit dem ihop för ett kort ögonblick. Flörta är en härlig film som alla fans av ovanstående skådespelare eller det äldre drama behöver söka; även om det har omförpackats för att se ut som ett tidigt Kidman-fordon, är detta den sällsynta 'innan de var stjärnor' -filmen som faktiskt kommer att lyfta ditt humör till stjärnorna. - Brian Formo

Mannen i månen (1991)

'Jag vill känna dig mer ... Jag vill känna dig allt jag kan.'

En 14-åring Reese Witherspoon blir kär i en grannpojke ( Jason London ) i detta antecknings-perfekta åldrande drama. Hon tar sina första steg mot kvinnlighet och blir kvinna betyder också att hantera svartsjuka. När hennes syster ( Emily Warfield ) faller för samma pojke (vilket är en mer åldersanpassad omständighet - men försök att berätta det för en 14-åring) det testar hennes beslutsamhet. Mannen i månen var den sista filmen regisserad av Robert Mulligan ( Att döda en hånfågel ) som, även om de är nordöstra uppfödda, verkar mest hemma i djupa söder.

Mannen i månen är inte en film full av svepande romantiska ögonblick, utan väcker istället de konstiga känslorna från de första attraktionerna och hur allt känns fantastiskt och hemskt på en gång. När Dani (Witherspoon) frågar sin syster hur man kysser en pojke, visar hennes syster henne hur man tränar på hennes hand. Romantiken här är i tonårspraxis för att ta emot den. Och övning gör perfekt. - Brian Formo

Ham, Ham (1992)

'Du blir inte känd. Om inte dina bollar gör dig känd. '

Det finns tre företag i den svettiga spanska pueblo som avbildas i Skinka skinka : det finns underkläderfabriken, skinkafabriken och horahuset. Låter det som en inställning till ett skämt? Det är. Men det finns mer. Staden har en skylt av en tjur vars testiklar är så stora att de kan ses långt borta. Solen stiger upp och sätter ner och kastar skuggor från två stora bollar.

Conchita ( Stefania Sandrelli ) har också några ganska stora bollar. Hon är inte så glad att hennes son, José Luís ( Jordi Molla ), har impregnerat Silvia ( Penelope Cruz ). För ingen underkläder magnat son till henne kommer att gifta sig med en prostituerad dotter. Conchita anställer en hunk på skinkafabriken, Raúl ( Javier Bardem ) för att förföra Silvia bort från sin son. Men då är det komplicerat när Conchita bestämmer att hon också vill ha Raúl. Det är de grundläggande ingredienserna för en hammy melodrama. Karaktärerna är hungriga efter sex och makt - och alla stadens industrier tar del i djurkött.

En utsökt smak är jävligt nästan omöjlig att fånga på skärmen. Men en orgasm är det inte. Direktör Bigas Luna kombinerar dessa två ofta: smak och sex.

Den dubbla skinkan är Silvia, som är känd för sina omeletter: både frukosten hon gör och hennes bröst, som hennes älskare säger smakar som en skinka omelett. När männen besöker bordellet förklarar de att de är hungriga. Det finns metaforer överallt i Skinka skinka ; du vet att dessa skylt testiklar så småningom kommer att kastreras; två män (låt oss kalla dem grisar) slåss till döds med stora skinkor. Skinka skinka är mest utsökt när det ger ett slags förspel. Såsom när Raúl sätter in en vitlöksklyfta i grisens anus före en av hans många sexuella erövringar. Efteråt kommer han att slakta grisen, lägga den i en omelett och den kommer att smaka lika bra som hans älskares kropp. - Brian Formo

Just Another Girl on the I.R.T. (1992)

Bild via Miramax

Häromdagen var jag på tåg nummer 2 med mina vänner, jag gick bara ut och hade det bra och folk började stirra på oss som om vi var någon form av gataflickor utan framtid. Yo, när jag är med mina vänner, agerar jag som om det inte spelar någon roll, för det gör det inte! Men mellan dig och mig gör den där skiten mig arg. När de tror att de bara kan döma dig genom hur du klär dig, öh-öh! Jag får alltid As och Bs i alla mina klasser. Jag är den bästa eleven i min calc-klass! Människor tappar när de får reda på hur smart jag verkligen är.

Just Another Girl on the I.R.T. är Leslie Harris bara film och det är jävligt synd, men åtminstone med en film gav hon oss en omedelbart minnesvärd karaktär för alla som ser det. Chantel ( Ariyan A. Johnson ) är en höft, frispråkig och oerhört intelligent Brooklyn-tonåring. Hon är också svart och hennes vänner är svarta och även om hon kan skjuta tillbaka på de förutfattade uppfattningarna från människor i tåget som inte ens känner henne, vet hon också att hon står inför extra externa utmaningar för att nå sina mål utan att acceptera kompromisser. Chantel vill gå till medicinska skolan, hon vill bilda en familj och hon vill fly Brooklyn livet som hennes vänner har accepterat som det enda alternativet.

hur många avsnitt är på kontorssäsong 1

Chantel talar sanningen i varje klass och Harris film lever med enorm energi och medvetenhet om förväntningar; individualitet behöver inte skjutas ner för att besegra förväntningarna utan snarare att blomstra i sina naturliga mångfald. Jag önskar att detta var 90-talets tonårshit det förtjänar att vara. ~ Brian Formo

Deep Cover (1992)

Bild via New Line Cinema

”Pengar vet inte var de kommer ifrån, men jag gör det. Om jag behåller det är jag en brottsling. Om jag ger det till regeringen är jag en dåre. Om jag försöker göra något bra med det kanske det bara gör saker värre. ”

my hero academia heroes rising tickets

Djup täckning börjar och slutar med blodpengar. Skrynklig och ful, överlämnad. Direktör Bill Duke och Laurence Fishburne , som spelar en undercover-polis, laddar huvudet först i en Deep State-narkotikakonspiration. 'Follow the money' är inte bara det rätta sättet att undersöka utan det är avhandlingen i hela filmen. Mycket av vad som händer i Omslag Undercover-skildringen är en visuell återuppspelning av Fishburnes berömda Boyz N the Hood monolog om varför det finns en spritbutik i varje hörn av ett svart kvarter. Men så arg som Duke och Fishburnes undercover-polis är att narkotika arresterar över svarta stadsdelar, så identifierar filmens temabåge inte ras som vad som måste övervinnas utan fattigdom. 'Håll dig svart' säger en högvals och den svarta barkeep svarar, 'förbli svart? Hur 'håll dig borta från sprickan?'

Djup täckning Polisarbetet börjar och slutar med att få frågan om skillnaden mellan en rasidentitet och en rasidentitet; Fishburnes svar på den frågan i början får honom ett jobb men efter det han ser på gatorna och från sin överordnade ( Charles Martin Smith ) han ändrar sitt svar och det betyder hans misstag i början. Den som han såg ner på blir han sedan. Så om identiteten är flexibel - och som sagt, hans misstro mot auktoritet / 'kriminella egenskaper' var lika stark som hans 'polisegenskaper', vilket gjorde honom till en bra kandidat för undercovering - så är det enda som är konstant i det moderna samhället pengar. Vad du har av det, vad du saknar av det. Och sedan, när du väl har det, vad du gör med det.

Uppenbarligen lever vi i en värld av systemisk rasism och sexism och maktstrukturer som antingen upprätthåller den ordningen eller ändrar den flexibelt. Men pengar är efter ras. Fishburne arbetar undercover med latinska droghandlare och en vit advokat ( Jeff Goldblum ) som penningtvättar för dem; någon nivå av misstro hos dem är främst arbetsetik, det som ger pengar. De diskuterar inte ras om varför någon ska slås, det beror på att de inte drar sin del eller att de vilar på sina lagrar - sina pengar - istället för att få ännu mer.

Djup täckning är en pulserande och arg film. Ibland driver ilskan berättelsens blod till olika korridorer, men den är mycket intelligent bunden till en enda genomgående linje: följ pengarna. Från skrynkliga och blodiga $ 5-räkningar till en skåpbil full med kontanter vid bryggorna. Varje bit valuta är allt du har i världen och allt du lämnar efter dig.

Avslutar med Dr. Dre Dukes film är för första gången efter NWA-singeln 'Deep Cover (187)' arg över det förflutna, nuet och framtiden. Ju mer vi låter pengar behålla maktstrukturer, desto mindre vet vi om det potentiella resultatet och desto mer galande blir fattigdomen som tvingas andra - det blir bara en klyfta mellan människor. Det är $ 5 täckt med blod eller en skåpbil full av miljoner och väldigt lite däremellan. ~ Brian Formo

Passion Fish (1992)

Bild via Sony Pictures Entertainment

'Jag bad inte om den anala sonden.'

Trots en nedslående elgitarr som soundtrack (särskilt oerhört under öppningspoängen), John Sayles '' Passionsfisk har åldrats som det finaste av viner. En film där karaktärer får fatta beslut och ha monologer och helt enkelt existerar innan vi lär oss om deras tidigare historier och hur det ekar i nuet. Gör det Alfre Woodard , som spelar sjuksköterska till en alkoholiserad rullstolsbunden före detta tvåloperstjärna ( Mary McDonnell ), blir en stereotyp svart karaktär i början av 90-talet? Ja och nej. Ja, hon har ett förflutet som filmerna var väldigt intresserade av vid den tiden men Sayles låter henne presentera sig själv och sätta in ett påstående i berättelsen som en individ med tillräckligt mycket slag som när hennes förflutna avslöjas; det är ganska välsignat att tänka tillbaka på hur mycket landningsbana hon fick för att inte definieras av avslöjandet utan bara för att få det att ses som en skugga som följer henne men inte definierar henne. Istället är det den vita kvinnan som introduceras helt genom sina fel och sakta måste avslöja sin mänsklighet.

Peppa in David Strathairn som en Cajun-hantverkare och en bländande monolog om en anal sond (levererad av en av McDonnells tvålopervänner om en tidig audition; undertext: våra förväntningar uppfylls rutinmässigt aldrig men ändå ger det ditt bästa är vägen till nöjdhet) och här är! Sayles film är en långsam kokare av karaktärsögonblick, mindre intresserad av avslöjanden men mer om hur sällskap är så viktigt för vår livskraft, särskilt när vi behöver börja om.

Ingen frågar efter den anala sonden. Men ibland förstår vi det bara. Denna nivå av omtänksamhet (och förmågan att omfamna lite grov humor då och då utan att vara knuten till det) och öppenhet att bara sitta med kvinnor är den amerikanska indien som blev det som definierats Pedro Almodovar Andra hälften av sin karriär. ~ Brian Formo

Light Sleeper (1992)

Bild via New Line Cinema

”Jag känner mitt liv vända. Allt som behövdes var en riktning. Du driver från dag till dag, år går. Sedan kommer en förändring. Jag kan förändras. Jag kan vara en bra person. Vilken konstig sak att hända, halvvägs i ditt liv. Vilken tur.'

Paul Schrader har profilerat många hämnande misantroper, mest ikoniska bland dem är Travis Bickel i Taxichaufför . I den filmen önskar den socialt oraffinerade ensamvaran öppet ett stort regn för att skölja bort all smuts i New York City: hallickarna, de prostituerade, narkotikapusharna osv. 15 år senare är Schrader här för att sona den hållningen genom att fokusera på en narkotikahandlare som faktiskt är en bra kille, jävla nära en Robert Bresson-präst i, i Lätt sovhytt .

Willem Dafoe John LeTour gör hand-to-hand-avtal med köpare på högre nivå. Han var en gång missbrukare, han har gått direkt med droger men började hantera som ett sätt att mata sin vana och alltså, när han närmar sig 40, är ​​det i stort sett allt han vet hur man gör. Festen är över. Och vi får en känsla av att LeTour inte kommer ihåg mycket av det, frågar sin chef ( Susan Sarandon ) om de någonsin haft sex tidigare år. 'Vi försökte', säger hon och antyder berusning. Han var gift med en kvinna som han gjorde droger med. Han minns deras goda tider men hon påminner honom om att han en gång lämnade i tre månader och bara ringde henne en gång.

Trots blicken bakåt, Lätt sovhytt är inte en tråkig film. För en film om en droghandlare som överensstämmer med sitt förflutna är det förvånansvärt fredligt och känsligt. Mycket av detta tillskrivs Dafoes diskreta och lockande föreställning, Sarandons sass och Schraders beslut att låta filmen spela ut som ett flertal cigarettrök som spirerar upp i luften. Mindre en andlig uppföljare till Taxichaufför, och mer så en titt på någon som måste ha spenderat tid i just den rännan som Bickel ville att vattnet skulle tvätta bort, Schrader startar filmen med lite dialog om hur NYC-sanitetsarbetarna strejker och det finns skräp ströat på gatorna och gränder. John använder rutinmässigt köln för att täcka lukten runt honom, applicera mer när filmen fortsätter och rutinmässigt höra kommentarer om hans blommiga lukt. Han är nära att komma ut ur denna verksamhet ren. Han skickar pengar till sin syster. Han försöker få kontakt med sin före detta fru. Han besöker en förmögenhet. Han håller en kompositionsbok om fysiska egenskaper. Han levererar droger. Och han köper CD-skivor (när Dafoe och Sarandon äter middag tillsammans för att diskutera hennes försök att komma ur handeln och in i kosmetika, frågar hon vart alla hans skattefria pengar har gått och det är härligt hur hennes ansikte tänds och hon säger CD-skivor samtidigt som Dafoe; jag saknar 90-talet. Alla mina CD-skivor är nu borta, men fan, så mycket pengar spenderade på dessa skivor).

Liknande Taxichaufför , detta slutar med ett våldsamt slut, men det här är hoppfullt, inte heroiskt. Kanske är det att Schrader är äldre, men det finns en trovärdig värme mellan Dafoe och Sarandon och även om de sista 15 minuterna av den här filmen liknar mycket Taxichaufför det känns som om den här är medveten om att mänskligheten är mer trovärdig än hjältemod. ~ Brian Formo

Matinee (1993)

'Du gör tänderna så stora du vill, sedan slår du av den, allt är okej, lamporna tänds ... ''

En av de många under-älskade klassikerna av de stora Joe dante , Matiné är en charmig och förtjusande komedieålderskomedi som utnyttjar nationell hysteri och en djup kärlek till film. Under den kubanska missilkrisen, på toppen av nukleär rädsla, fokuserar filmen på Lawrence Woolsey ( John Goodman ), en B-filmproducent som tar med sin senaste varelse-funktion 'Mant' (en atommutation av en man och myra, naturligtvis) till Key West där han träffar sin största fan, gymnasieelever Gene Loomis ( Simon Fenton ). Gene är en filmfilm och en sci-fi-fanatiker som anser att Woolsey är en stor man. Han är också ett barn som är livrädd av hotet om kärnvapenkrig, rädd för sin marinofficersfader och kommer överens med sin egen hormonella framsteg (en bomb själv).

Woolsey handlar om showmanship och inser att åldern för amerikansk oskuld är över och publiken behöver ett (ibland bokstavligt) skak mot systemet för att bli rädd på bio. Han riggar upp hela teatern med gimmicky-tricks, inklusive elektriska surrare i sätena, undantag som frigör teatern från lagligt ansvar i händelse av hjärtinfarkt och en man klädd i en Mant-kostym som hoppar ut för att skrämma publiken. Filmen i filmen, Mant, är kärleksfull och det är tydligt att Dante har mycket kärlek till de kitschiga varelserna från förr. Woolsey delar också denna uppenbara kärlek till film, en genial man som tycker om sitt arbete och får en genuin kick av att spänna sin publik. Hans lördagsvisning av 'Mant' samlar staden i en kulmination av deras kärnvapen och de unga full av hormoner. Publiken är spackel i händerna på Woolsey eftersom deras rädsla för mänsklig förintelse och kärnkraftsmutationer driver dem till hysteritoppen - med lite hjälp från Woolsey's tricks.

Dante låser upplösningen sött och knyter ihop trådarna till den förestående undergången och hormonell mognad i en kulminerande scenuppsättning som är en dröm för någon biografkam som jag själv. Matiné är en härlig liten film som lyckas fånga oskuld från en lång tid sedan. Det är inte en skrattljudande komedi, men det är en bra känsla som ger dig ett brett leende på ditt ansikte. - Haleigh Foutch

Wild Reeds (1994)

'Du tror att du är smart men du är bara en klibbig Tarzan.'

Andre Techine är en av de mest intressanta rösterna i queer-film eftersom han ofta visar hur nära besläktad det emotionella svaret på avsky och upphetsning är inom sexualitet, oavsett orientering. Och följaktligen hur heteroseksualitet och homosexualitet alltid är nära korsande strömmar, särskilt under de yngre åren. Vilda vassar presenterar svårigheten att hitta tröst med upphetsning från båda könen i spetsen för en äldre historia som också bubblar av ideologiska influenser som ständigt förändras kring det fransk-algeriska kriget. Om ideologiska idéer från nationer och krig konsekvent förändras, varför kan inte idéerna om sexualitet vara lika flytande?

Det är 1962 och fyra tonåringar kämpar med nationalistiska och sexuella identiteter på den idylliska franska landsbygden. Francois ( Gael Morel ) inser sin homosexualitet med en ny student, Serge ( Stephane Rideau ) i en sen nattstudie som inte kommer att upprepas men som kommer att förändra Francois för alltid. Francois nästa besatthet är Henri ( Frederic Gorny ), som föddes i Algeriet och är pro-Frankrikes styrning av det muslimska landet; under tiden har Serge, vars bror just dog efter att ha utsetts till strid i Algeriet, siktat på Francois bästa vän Maite ( Elodie Bouchez ), som i hemlighet har varit kär i Francois sedan de var barn. Hon identifierar sig som kommunist och motstår framstegen från Serge, men hon dras till Henri trots att hon föraktar hans politiska ideologier.

I denna fyrvägskvot av potentiella sexuella parningar har alla skäl att inte lägga ihop; i parningarna som inträffar finns den långvariga bilagan för en part ensam, den andra lovar att inte upprepa. Varje elev prövar sexualitet med samma klumpiga nybörjare som studenter försöker försöka ideologier. En kommunist kan bli en socialist eller en måttlig liberal och någon som för en gång är en förening mellan Frankrike och Algeriet har fortfarande förmågan att ändra ståndpunkter med ny information som styr deras känslor. Varför skulle inte våra könsorgan få göra detsamma? - Brian Formo

Joan the Maid (1994)

Bild via Bac-filmer

'Män tror att eftersom de pumpar några gånger för att skapa liv att de är världens skapare, när det är en kvinna som håller fröet vid liv.'

Jacques Rivette och Sandrine Bonnaire deltog i en tvådelad film om två distinkta kapitel i Joan of Arc's liv: vad som ledde henne att klä upp för strid och hur hon bar sig i fängelse före sin rättegång och avrättning.

Även om Bonnaire sätter på sig rustning och lär sig att stryka och beordrar legioner i strid, vad Striderna främst oroar sig Joan of Arc's strider med män för att besegra deras egon genom att massera sina egon. Rivette är inte bekymrad över huruvida Gud faktiskt talade till henne eller inte, hennes samtal observeras faktiskt mer av människor runt henne som beskriver hur hon tittar på lugnet vid elden och lyssnar; istället visar Rivette hur hon lyckades vinna över så många män genom att komma direkt till dem: du är den rättmätiga kungen, säger hon till Dauphin, som har väntat i exil för att höra det; männen njuter av att hon sover bredvid dem eftersom det får dem att känna sig speciella att ligga bredvid en vacker jungfru som vill gå i strid, hon fnissar till och med på sina orena tankar som ger dem skam och de kommer att använda det för att gå i strid för henne när engelska kallar henne en hora. Rivette visar till och med Joan of Arc som lite mobbning och driver män runt tills de faller i linje. Hon liknar inte någon kvinna de har stött på och de gillar tillvägagångssättet.

Även om det presenteras så sakligt som möjligt och utan stigande äventyr, finns det känslig vördnad och dårskap i spel Strider . Och Joan presenteras inte som en martyr utan snarare som någon som är övertygande i sin tro, ung i sin energi, och hur den kombinationen ger henne tillgång till män som har känt sig länge besegrade av engelska och behövde någon att röra sig själv -betydelse. Faktum är att hon kan få alla i närheten att känna sig viktiga, oavsett om det är kungen eller hennes farbror eller en lokal nunna, som får hjälp av hennes tro på Guds vägledande hand. En tid stannade hon bland männen eftersom du inte skjuter budbäraren när budbäraren är där för att upphöja din högre plats i samhället.

Trots fokus på egomassage lägger Rivette in direktmeddelanden om att samhällsordningen har varit orättvist centrerad kring män. Men eftersom det beställdes som sådant, kunde Joan the Maid få tillgång trots samhällets rang och kön genom att vädja till en mans uppstigning för att styra.

Vi vet att Joan of Arc så småningom kommer att brännas på bålet, men det är bara fyra minuter i denna 5+ timmars dubbla film. Den körtiden är tänkt att visa Joan of Arc's liv, gärningar och övertygelse men det är också tänkt att visa hur män beter sig kring henne och det för att de har antagit alla maktroller - domstolar, prästadömet, biskopar, guvernörer, kungar, etc. —Det som irriterar dem mest är att hon vägrar att bära en klänning. Och under de fem timmarna ser vi Joan of Arc befalla en armé, stryka egoet för en blivande kung, mobba män och kvinnor, samtidigt som de bär en topp och botten.

De potentiella röster som hon hör är inte problemet när Rivette och Bonnaire tar oss till Fängelserna , det är att en kvinna har infört sig själv i en fransk-engelsk vapenvila och det är inte något som en kvinna borde göra. Hennes slutgiltiga ånger är att sätta tillbaka på hennes 'manliga klädsel' helt enkelt för att de engelska vakterna har använt hennes paria-status som att ge dem friheten att kedja henne, misshandla henne och förnedra henne. Under dessa obekväma scener är hon i en klänning och hon tillgriper att hämta den outfit som gav henne viss respekt, eller åtminstone inte denna typ av behandling. Och sålunda, Joan the Maid , i det hela taget är en dubbel funktion där vi alla vet vad som kommer men med sin fem timmars körtid är det faktiskt en episk dissektion av föraktliga och frekventa berättelser om 'hon hade det kommer'. För en gångs skull är hon i en klänning och en gång har männen en berättelse om vem hon är, en jungfru som 'hör röster', då tänker de män som märker henne som under dem att de kan göra vad som helst som de tycker om. Joan påpekar att denna behandling inte skulle hända om hon satt i ett fängelse med kvinnliga vakter eller åtminstone en kvinnas närvaro i ett kyrkofängelse. Eftersom hon nu är i en klänning - hon är kedjad, det som lovades henne är inte uppfyllt, och en 'hon förtjänade det' hänger i luften för varje tänkbar handling. Hon bränns på bålet för att vägra gå tillbaka till klänningen. Och männen, som innehar alla maktpositioner under denna diskussion, ser det som hennes kätteri, inget att göra med att höra röster från Gud, utan att lyda deras kontroll över hennes kropp.

Bonnaire skapar en magnifik föreställning över två filmer; i Strider, hon är perfekt redo och stoisk med bara tillräckligt med flickaktiga drag (som att sparka i benen när hon pratar i en scen eller fnissa vid en mans lustiga konversation i en annan). Hon har övertygelse och charm. I Fängelser , även om plågan i de sista ögonblicken inte är lika intensiv som den klassiska tysta filmen, Joan of Arc: s passion, Bonnaire spelar det annorlunda och tittar inte heller på Joans potentiella galenskap för tics i hennes framträdande, utan istället som fast, till slutet. ~ Brian Formo

The Addiction (1995)

'Vi är inte onda på grund av de onda sakerna vi gör, men vi gör ont eftersom vi är onda.'

I Beroendet , Lili Taylor —En av indie-drottningarna på 90-talet, nu mest känd för klappspelet som manar fram andar The Conjuring -Stjärnor som en filosofistudent som är hungrig efter kunskap innan hon blir biten av en vampyr i en gränd i New York och sedan får 'hunger' efter blod. Det har blivit ganska elegant att undersöka de negativa aspekterna av evigt liv på senare tid, men Abel Ferrara Den glesa, svartvita filmen tar definitivt de flesta problem med en vampyr nybörjare för att utforska religion, narkotikamissbruk, våldtäkt och AID-epidemin. Lyckligtvis möter Taylor en silkeslen tunga Christopher Walken - som en andlig guide för nattpromenader - som ger henne en lektion om hur man kan anpassa sig till sin nya lidande. Beroendet är extremt akademisk, men även om den växer filosofiskt har den en specifik smältbar rytm som inte skulle stänga av den icke-Jean-Paul Sartre lutande.

I mitten av Beroendet är tanken på hur vi alltid ändrar vår livsfilosofi för att bättre tjäna våra nuvarande förhållanden - oavsett om det är missbruk, en reaktion på trauma, de ekonomiska avvikelserna i en kosmopolitisk stad eller plötslig och oväntad vampirism. - Brian Formo

Clockers (1995)

'Det är jävlar som du som rånade Rosa Parks.'

På en grundläggande historienivå, Spike Lee 's Clockers är en whodunit som handlar om läkemedelsdrivande hörnbarn som hänger vid bänkar hela dagen under vakten av grannskapet, Rodney Little ( Delroy Lindo ). När en nattchef på ett take-n-go matställe skjuts fyra gånger, är den äldre bror, Rocco ( Isaiah Washington ) av ett av hörnbarnen, Strike ( Mekhi Phifer ), erkänner mordet. Men detektiverna Rocco Klein ( Harvey Keitel ) och Larry Mazzilli ( John Turturro ) tror att han täcker för sin yngre bror i ett försök att få honom att vakna och distansera sig från Little; detektiverna tror att Rodney och Strike dödade mannen som en initiering för att flytta upp kedjan.

Clockers ursprungligen inrättades för Martin Scorsese att regissera men han slutade med att skicka projektet till Lee och blev producent. Lee, arbetar för ett manus från romanens författare Richard Price , vred den ursprungliga POV: n från Klein till Strike och den resulterande historien blev oerhört mer intressant än ett vanligt procedurmysteri. Strike, men i slutet av tonåren, visas ofta när han spelar med tåg under hans stillestånd och dricker chokladmjölk för att lindra hans magsår. Det här kan vara enkla rekvisita för att visa att Strike är en ungdom som råkar fastna i den här våldsamma kretsen, men Lee använder den för att introducera tanken att stadsdelar som överkörs av droger gör det så att en ung man sällan går framåt för unga intressen eftersom de är härdade att tro att de inte har någon framtid.

Men Lee är inte nöjd med att göra Strike bara till ett offer som hade däcket staplat mot sig. Medan utredningen virvlar runt Strike, har Lee två sidkaraktärer som fungerar som en konfronterande kör för Strike. Det är beat-polisen, Andre the Giant ( Keith David ) och mamman ( Regina Taylor ) av ett grannskapbarn som ser upp till Strike, som föreläser Strike om nackdelen han orsakar samhället genom att sitta på en bänk hela dagen öppen för affärer. Taylor ger en av de allra bästa singelscenföreställningarna och David, mager och hård, ger en av sina hetaste föreställningar som en polis som är äcklad av att Strike inte ens vet vem Rosa Parks är. Även om dessa karaktärer föreläser som en grekisk kör, är de inte målade som heliga, utan snarare att de förmedlar visdom men också är bristfälliga eftersom de inte lyssnar på svaret. Den äldre generationen upplevde Civil Rights Movement och bevittnade en stegvis förändringsrörelse och förväntar sig att nästa generation ska ta steget, men är också omedvetna om att den förändringen stagnerade och hjälpte till att skapa ett system av ojämlikhet som är jävligt nästan omöjligt att fly ett grannskap utan att behöva att delta i det som tjänar de grannskapspengarna; en ond cirkel har skapats och det är extremt svårt att fly.

Att välja att skjuta ur Strikes synvinkel ger extra spänning i utredningen, för i slutändan är du hoppfull om att Strike inte är skyldig. Det är en svår uppgift för Lee att göra Strike sympatisk samtidigt som han presenterar att han kan vara en mördare och Strike är verkligen bristfällig och impish, men det är en tittupplevelse som gör Clockers till skillnad från andra liknande filmer. I sista hand, Clockers skulle vara förödande oavsett resultatet i detta fall. Och det är poängen. Den tightropa moraliska balansen och en enastående roll gör detta till den mest underskattade filmen i Lees verk. - Brian Formo

förundra filmer i ordning efter släpp

Devil in a Blue Dress (1995)

Bild via TriStar

”En man sa en gång till mig att du går ut genom din dörr på morgonen och att du redan är i trubbel. Den enda frågan är om du är på toppen av det problemet eller inte? ”

Djävulen i en blå klänning fungerar fantastiskt som en film noir, men det som verkligen får det att sväva är hur det ger oss ett nytt prisma att titta igenom. Det är en annan Los Angeles potkokanna från 1940-talet, men när den här filmens femme fatale ( Jennifer Beals ) säger till den privata utredaren Ezekiel 'Easy' Rawlins ( Denzel washington ) att hennes hotell är ”bara vitt” och att använda serviceingången för att möta henne, det är bara ett exempel på hur berövad hela detektivgenren har varit mångfald. Det finns många fall där Carl Franklin strö det här som inbyggt, inte med en hammare över huvudet. Det finns ett löpande skämt om Rawlins att skydda sitt hem från en trädgårdsmästare som han inte har anställt, men som försöker göra lite arbete utan att ses, för att försöka tvinga betalning senare. Rawlins riktar ofta sin slang mot den här mannen eller skämmer bort honom på gatan. Men det är Washingtons stränga stolthet som får dessa scener att fungera, för till skillnad från många av de svarta stadsdelarna som han går för att undersöka den försvunna kvinnan är Rawlins hushållare och hans hem bevakas inte bara för att gangster tuffar och polisen kommer förbi att grova upp honom, men för att det är en symbol för hans hårda arbete; han är en svart hemägare i Los Angeles efter andra världskriget.

Det centrala mysteriet om varför kvinnan sprang från sin blivande borgmästarpojke är sekundär till gobelängen inom Franklins skickliga berättande: olika regler för olika raser. Och till skillnad från L.A. konfidentiellt , dess avslutande shootout känns inte som ett försök att avsluta tomten snyggt, utan snarare något nödvändigt för karaktärerna att göra eftersom polisen redan har etablerats som en oppositionell styrka.

Franklin introducerar också sakkunnigt Don Cheadle s ikoniska karaktär, mus. Mus nämns förbi Rawlins några gånger, men aldrig på ett sätt som hans närvaro känns nära, och när han anländer är han det perfekta, klassiska tredje namnet-i-krediterna film noir hothead. Det är verkligen ett brott som vi inte fick fler Rawlins och Mouse-filmparningar från Walter Mosley böcker, som Washington och Cheadle agerar kretsar kring mest varje neo-noir film från 90-talet. Det är också synd att Franklin har varit i TV-fängelse i nästan hela 2000-talet. Hans två första filmer, detta och Ett falskt drag (nästan gjort denna lista), är tätt plottade och magnifikt agerade. Hans karriär avslöjar att det för Hollywood verkligen är ett falskt drag när det gäller svarta regissörer, där hacks-for-hire alltid kan få en ny spelning men en uppfattad misslyckande från en minoritet är omöjlig att övervinna.

När det gäller Washington är detta en av hans bästa framträdanden, och även om Washington aldrig spelade i en uppföljare förrän Equalizer 2 , hans Easy Rawlins borde ha varit hans Philip Marlowe. Han är stadig, stolt, har det varmaste och bredaste flin av någon man som någonsin tagit på sig celluloid; det avgörande ögonblicket för Washingtons framträdande är hans sexscen. Medan hans vän är berusad berusad, Rawlins och hans väns fru har sex i salongen, har hon kommit till honom hela natten, men när hon stannar i äktenskaplig skam i mitten av coitus, vädjar Washington med en kvävning av förvirring. Vi såg aldrig Marlowe eller Spade eller någon av 40-talets stjärnor måste tigga om det; de skulle bara ge en ansiktsgest med en cigarett som hänger ut på munnen och stänger av lamporna. Olika filmregler för olika tider också. ~ Brian Formo

Freeway (1996)

'Jag är förbannad och hela världen är skyldig mig.'

Varje gång jag tittar Motorväg , Jag kan inte tro det jag ser. Råligt våld, galna upptåg och Reese Witherspoon , Amerikas sötaste älskling, släppa F-bomber som om det är hennes svurna plikt - allt så i ansiktet att det är lätt att missa det faktum att filmen faktiskt gör ett ganska jävligt bra jobb med att skildra hopplösheten hos missgynnade barn som går in i systemet för ung.

En berättelse om exploatering av 'Little Red Riding Hood', Motorväg följer Witherspoon som Vanessa Lutz, en enastående, elak analfabeter med gymnasium som går på språng när hennes utbrutna mor och slemande styvfar arresteras för uppmaning och besittning. I stället för att gå in i fosterhem igen, slår Vanessa vägen för att hitta sin förlorade mormor och börja ett nytt liv, tills hennes bil stannar vid sidan av motorvägen och den berömda vargen i fårkläder, Bob Wolverton ( Kiefer Sutherland ), en seriemördare och nekrofil, erbjuder henne en åktur. Bob presenterar sig som en mjukhjärtad ungdomsrådgivare, som på ett smart sätt extraherar Vanessas mörkaste hemligheter och mest perversa historier om missbruk, innan Vanessa blir klok i sitt spel och vänder borden snabbare än du kan säga, 'Vilka stora tänder har du.' Härifrån tar filmen en vänstersväng vid varje tillfälle för konventionell berättelse, vilket uppenbarar sig tydligast i de ögonblick där du förväntar dig att Vanessa ska bli offer.

Under alla samtal dessa dagar om 'starka kvinnliga karaktärer' är Vanessa Lutz den verkliga affären mitt i alla dessa skräpiga shenanigans. Hon är orädd, självförsörjande och mot alla odds, alltid kontroll över sitt eget öde. Hon verkar enbart på grundval av sin egen agenda, tar skit från ingen och är inte något trick baby. Hon är också ibland skrämmande. När Bob plockar upp den här lilla blondinen har han ingen aning om att han äntligen har träffat sin motståndare.

Jag håller den här korta för att jag inte vill förstöra vändningarna i den här väldigt upprörda filmen för dem som inte har sett den, men nedfallet från deras möte leder till alla typer av knullade riktningar. Det är den svartaste av komedier, helt degenererad, helt vriden och ofta skrattande högt rolig. - Haleigh Foutch